[Guía de iniciación al manga (III)] El shojo – Desde el Grupo del 24 hasta ‘Sailor Moon’

Continuamos con nuestra guía de iniciación al manga con una entrega que se centra en el género más ninguneado del manga: el shōjo. Sobre todo en el shōjo clásico y las magical girls, pero también hablaremos de lo que vino antes y después dentro del género.

Si al manga se le ha solido acusar de ser violencia sin sentido, aún más se ha utilizado el argumento de que no son más que historias románticas sin pies ni cabeza entre personajes de ojos desproporcionados. Y si bien lo de los ojos es cierto a medias —salvo casos excesivos, no están desproporcionados: son así de grandes para transmitir mejor los sentimientos de los personajes—, en lo otro hay una problemática esencial que no cabe pasar por alto. No cuando esas historias románticas pertenecen a un género que, por lo general, suele reducirse a mucho menos de lo que es: el shōjo.

‘La familia crece’, de Wataru Yoshizumi

 

Shōjo, literalmente “chica joven”, como en el caso de shōnen, es una clasificación demográfica que determina a quien está dirigido una determinada clase de manga. En este caso, chicas jóvenes de entre ocho y catorce años. Pero si bien ese es su origen, como clasificación de a quién va dirigida la revista en la que se publicaban estos mangas, el término ha acabado dando nombre a cualquier obra producida por mujeres que no esté claramente enfocado o bien a adultos o bien a lo que se considera tradicionalmente historias propias para un público masculino. Algo sangrante porque hace parecer que el ser mujer y específicamente niña tiene algo de excepción. De ser lo otro.

Algo que se potencia por el hecho de que, históricamente, el shōjo se ha considerado un género menor en comparación al shōnen. Y si bien es cierto que en Japón se ha ido reconociendo en los últimos tiempos la importante labor de las autoras de shōjo, en occidente todavía existen muchos prejuicios al respecto. Vamos a intentar darle solución aquí.

El grupo del 24 a la luz de Mōto Hagio. El shojo que parece venido del futuro

Aunque el genero tenía ya una rica historia antes de entonces, es imprescindible pararnos específicamente en los años setenta. Con el manga ya empezando a despuntar en su forma moderna, intentando ir más allá de esa idea de mero entretenimiento para niños, hubo un grupo de autoras que, desde el shōjo, intentaron abordar temáticas más complejas de las que se habían venido desarrollando hasta el momento. Temáticas como las diferencias de género, la sexualidad o la identidad. Y, a diferencia de la inmensa mayoría de sus compañeros varones, no sólo les interesaba reflexionar sobre esos aspectos en su raigambre netamente femenina, sino que también les interesaba profundizar en esa identidad masculina que con tanta fruición había evitado intentar deconstruir el grueso del shōnen.




A estas pioneras del manga clásico se les dio el nombre de Grupo del Año 24, o Grupo del 24, ya que todas nacieron alrededor del año 24 de la era Shōwa, es decir, alrededor de 1949.

Dado que es difícil determinar exactamente quienes son los miembros de este grupo, ya que las únicas condiciones para pertenecer a él es haber publicado en los setenta, haber nacido alrededor de finales de los cincuenta y ser mujer haciendo shōjo, intentaremos hacer una panorámica entre aquellas que han tenido mayor relevancia no sólo en su época, sino también aún hoy en día.

Y para empezar, nadie mejor que Mōto Hagio.

‘La familia Poe’, de Mōto Hagio

Autodeclarada fan de la ciencia ficción americana de los cincuenta, sus primeros trabajos oscilaron entre la muy relativa ortodoxia shōjo de la época -es decir, historias románticas donde tiene más peso la tragedia familiar que el romance en sí-, con Ruru to Mimi (1969), y los comienzos de lo que hoy conocemos como boys love, el género de romance homosexual entre hombre generalmente jóvenes, con 11-gatsu no Gymnasium (1970-1971). Y si bien es cierto que fueron éxitos notables, aún hoy apreciados por la delicadeza de su trazo, lo detallado de sus diseños y lo espectacular de sus composiciones -especialmente considerando que sólo tenía veinte años a la publicación de la primera de sus obras-, hoy en día se considera que su primera gran obra como tal no llegaría hasta tres años después de su debut. Cuando, en la hoy mucho más ortodoxa Betsucomi, comenzó a publicar La familia Poe (1972-1976).

En esta historia seguimos las desventuras de Edgar y Marybell Porsnell, hijos ilegítimos del aristócrata Earl Evans, que serán abandonados en el bosque por su madrastra y, posteriormente, adoptados por la familia Poe cuando Hannah Poe, por un afortunado giro del destino, acabe por encontrarlos. Afortunado al menos hasta que, a los catorce años, Edgar descubra la horrible verdad detrás de la familia Poe: que todos ellos son vampiros. Algo que cambiará radicalmente su vida y la de su hermana. No necesariamente para mejor.

Siguiendo los usos de la novela decimonónica, el estilo folletín del manga contemporáneo se ajusta como un guante a una historia donde el tono predominante es la tragedia y un preciosismo lánguido que remite al romanticismo europeo más oscuro. Algo que, no por accidente, compartirán gran parte de las integrantes del Grupo del 24.

‘A Cruel God Reigns’, de Mōto Hagio

Alternando la publicación de La familia Poe con la de El corazón de Tomás (1973–1975), una historia trágica de amor homosexual inspirada en Les amitiés particulières , novela de Roger Peyrefitte y posterior película de Jean Delannoy muy popular entre los sesenta y setenta, fue capaz de alternarlo todo con la publicación de su primera historia de ciencia-ficción, otra de sus obras maestras canónicamente aceptadas por la crítica y única manga disponible de la autora en el mercado español: ¿Quién es el 11º pasajero? (1975–1976).

En su examen final para ingresar en la Universidad Estelar los diez candidatos del grupo 22 deben superar una prueba en la que deben sobrevivir encerrados en una nave a la deriva que orbita alrededor de un planeta deshabitado. Si alguno de ellos renuncia, todo el grupo suspenderá. Algo que se demostrará especialmente problemático cuando, tras no hacer demasiado caso en la reunión previa a embarcar en la nave, en el momento de hacerlo descubran que en el grupo en que deberían ser diez personas en realidad son once, todos ellos afirmando ser miembros legítimos del grupo y sin que nadie pueda recordar quién no estaba presente antes de abordar la nave.

Con un perfecto control de la tensión y cargando tintas no sólo en el drama, sino también en sus momentos de acción, esta es una de las mejores obras de Mōto Hagio. Al menos en lo que respecta a sus orígenes.

‘¿Quién es el 11º pasajero?’, de Mōto Hagio

Puesto que sigue en activo y que su obra se extiende a lo largo de más de más de cuarenta años, es imposible resumir aquí toda su carrera. Hagio se merecería todo un artículo exhaustivo sólo para ella, pero para lo que nos concierne aquí, quedémonos con lo importante: ella es, junto con el maestro Osamu Tezuka, la persona que ayudó a asentar narrativa del cómic japonés. Por eso resulta tan problemático que se la publique tan poco ya no sólo en nuestro país, sino tampoco en los países de nuestro entorno, demostrando una vez más como los lamentables olvidos de la historia siempre parecen cebarse especialmente con las mujeres.

Más allá de Hagio. Francia, homosexualidad y ciencia-ficción

Aunque habrá quien crea que Hagio debió ser una afortunada excepción o que corresponde a la heterodoxia en la imagen que tenemos del shōjo la verdad es que ese no es el caso. Otras autoras siguieron sus pasos, y fueron incluso más lejos que ella.

Tras unos inicios donde abrazó con pasión el subgénero del boys love siguiendo la lógica de la época -es decir, tratando relaciones turbulentas plagadas de homofobia, violencia y consumo de drogas- en la aún hoy considerada su obra maestra, The Poem of Wind and Trees (1976–1984), Keiko Takemiya fue una de las primeras autoras que buscó activamente combinar los tropos del shōjo y del shōnen. Es decir, que era posible escribir historias capaces de interpelar a ambos sexos por igual. Algo que demostraría de forma intachable en sus obras de ciencia-ficción.

‘Toward the Terra’, de Keiko Takemiya

Con la reconocida influencia de Shotaro Ishinomori de su lado y una pasión desaforada por Europa, obras como Toward the Terra (1977–1980) y Andromeda Stories (1980-1982), esta segunda guionizada por el escritor Ryu Mitsuse, son hoy considerados clásicos de la ciencia-ficción a la altura de Mobile Suit Gundam o Kamen Rider, algo a lo que contribuyó que Toward the Terra volviera a ser adaptada al anime, con no poco éxito, en 2007.

Y es que, premiada con la medalla de honor con lazo púrpura del gobierno japonés por sus contribuciones al manga en 2014, Takemiya es hoy considerada una de las mangakas más distinguidas de su generación.

De hecho, en cierta medida, Hagio y Takemiya abrirían la puerta a otras autoras. Porque si algo tienen todas en común, además del interés por las ambientaciones históricas (en particular, del siglo XIX) y una estética donde abundaba un trazo más fino y delicado que el de sus equivalentes masculinos, es su interés en explorar la sexualidad masculina. Especialmente en lo tocante a la homosexualidad.

‘Mari to Shingo’, de Toshie Kihara

De obra extensa, pero poco conocida fuera de Japón, Toshie Kihara sería una de las pioneras del boys love con Mari to Shingo (1979–1984), la historia de un romance entre dos hombres a principios del siglo XX. Con un trazo mucho más sencillo que las otras autoras nombradas, pero con una particular sensibilidad para el uso del color y la luz, especialmente en sus diseños de ropajes históricos, su mayor aportación al manga ha sido, más allá de la ilustración histórica, sus historias de romances entre hombres. Incluso si el tema que más ha tratado, aunque nunca con tanta fortuna, haya sido el histórico.

Algo similar ocurre con Yasuko Aoike. Si bien se ha mantenido más o menos presente a lo largo de los años gracias a sus shōjo románticos, donde realmente destacaría es en una historia que oscila entre la aventura, la comedia y el boys love, con clara inspiración en James Bond (si James Bond fuera un chulazo abiertamente gay de pelo estupendo): From Eroica with Love (1976–2012), obra de publicación inconstante que se cerró tras treinta y seis años y treinta y nueve tomos en 2012 con un notable fandom tanto en Japón como en países de habla anglosajona. Algo que no se ha traducido en apoyo por parte de las editoriales extranjeras, tal vez por su extensión o su forma muy sui generis de imitar los usos de la objetificación femenina en la ficción aplicados, de forma consistente, con todos los personajes masculinos de la obra.

Para concluir con el repaso del Grupo del 24 es necesario nombrar a la autora más conocida del grupo. Porque si hay una autora japonesa que puede jactarse de ser tan conocida dentro como fuera de Japón, esa es Riyoko Ikeda.

‘La rosa de Versailles’, de Riyoko Ikeda

Autora de numerosas obras de época, con particular interés en la revolución rusa y francesa, apasionada de Europa y amante de los protagonistas andróginos hasta rozar la absoluta imposibilidad de distinguir su género, es autora desde una adaptación de El anillo de los Nibelungos (2000) de Richard Wagner hasta un manga tan popular y bien conocido como La rosa de Versailles (1972-1973). Algo a lo que habría que sumar otras obras de gran calado, como The Window of Orpheus (1975-1981), una epopeya trágica que reinventa la historia de Orfeo y Eurídice con la revolución rusa de fondo, o Eroica – The Glory of Napoleon (1986-1995), secuela de La Rosa de Versailles que seguiría los triunfos y desdichas del imperio napoleónico.

Toda una pequeña gran panoplia de obras que sintetizarían, en este caso sí, la idea que se tiene en occidente del género: grandes pasiones, alma de folletín, ojos grandes y, escapándose de los limitados prejuicios contemporáneos, una obsesión particular por la historia francesa muy extendida entre los japoneses del siglo XX.

El shojo antes del 24. Pioneros (olvidados) del género

‘Kurukuru Kurumi-chan’, de Katsuji Matsumoto

Con todo esto hemos de considerar que lo que hizo el Grupo del 24 es popularizar el shōjo. Llevarlo a nuevos terrenos introduciéndose en toda clase de géneros, haciendo de la temática homosexual algo de lo cual se podía escribir e intentando cosas diferentes a lo que hasta entonces se había estado haciendo, su mayor logro fue conseguir que el shōjo tuviera una mejor consideración. Intentaron cambiar la imagen para que, incluso si seguía considerándose un género menor, al menos no fuera completamente ignorado como se hacía hasta entonces.

Ahora bien, ¿qué imagen se tenía del shōjo? Aquella que fueron cultivando, casi sin querer, sus padre fundadores. Algo infantil, aniñado, puro y cursi para los estándares actuales.

‘Kurukuru Kurumi-chan’, de Katsuji Matsumoto

Katsuji Matsumoto, considerado padre de la estética shōjo, fue un ilustrador japonés cuya carrera despegó a partir de los años veinte gracias a un par de mangas: The Mysterious Clover (1934) y Kurukuru Kurumi-chan (1938-1940/1949-1954) que, a pesar de su estilo sencillo y que hoy asociaríamos con la ilustración infantil, logró un notable éxito entre sus coetáneos. Tanto es así que, antes de pasarse a la, efectivamente, ilustración de libros infantiles en los años cincuenta, tuvo tiempo para que Kurukuru Kurumi-chan tuviera dos reencarnaciones bien distintas: una antes de la guerra, más estilizada y absurda, y otra posterior a la guerra, donde los personajes se volvieron aún más estilizados y el tono de comedia se convirtió en mero slapstick, siendo ésta la que tendría continuidad en obras similares.

Con personajes canónicamente kawaii, cierta tendencia hacia dulces paletas de colores pastel y líneas rectas, de grosor variable, pero con mucho movimiento gracias a un sentido muy afinado del dinamismo de la figura, su obra de los años treinta podría considerarse el primer referente indiscutible ya no sólo del shōjo, sino también del manga. Algo que terminaría de concretar cuando adoptara como alumna a Toshiko Ueda.

Considerada la madre del shōjo, su obra más famosa es Fuichin-san (1957-1962), donde continuaría con la misma clase de humor blanco basado en el slapstick que desarrollaría Matsumoto, añadiendo cierta capa problemática a ojos contemporáneos en su descripción de los personajes chinos de su historia a través de absolutamente todos los estereotipos culturales de la época. Algo que, si bien no desmerece su importancia a la hora de popularizar ese proto-manga aún en desarrollo y con una clara influencia occidental, hace que su lectura a día de hoy no sea del todo sencilla.

Ilustración de Masako Watanabe

En cualquier caso, dentro de lo que sería el shōjo más relativamente ortodoxo y ya entendido como tal, habría tantos nombres propios que cabría subrayar que se hace difícil elegir cuáles son más relevantes. En cualquier caso, uno que no podemos saltarnos es el de Masako Watanabe, quien fue la primera autora en llevar el shōjo hacia el terreno de la elegancia, el lujo y el exotismo, añadiendo un detalle obsesivo a cada pieza de ropa y cada detalle, con flores en los huecos en blanco y, en general, abotargando hasta los que muchos podrían considerar el ahogo la composición cada una de sus páginas. Algo que, como señal distintiva de cierta disposición general de las revistas shōjo, haría que sea considerada una de las pioneras en lo que entendemos hoy por shōjo.

De igual modo, aunque por razones diametralmente opuestas, sería irresponsable dejarse fuera a Hideko Mizuno. Como residente de los famosos apartamentos Tokiwasō, donde residieron históricos del manga como el dúo Fujiko Fujio, autores de Doraemon (1969-1996), Akatsuka Fujio, autor de Osomatsu-kun (1962-1969), o el ya varias veces nombrado en este artículo Shōtarō Ishinomori, fue la única de las autoras de este artículo de la que, realmente, se puede decir que su contacto con el manga recibió una influencia netamente masculina. Trabajando bastante con Ishinomori, inspirándose mutuamente el uno al otro en su gusto por la acción y la técnica depurada, es difícil entender la obra del uno sin la del otro, especialmente considerando que ambos fueron parte clave a la hora de definir los cambios que fueron sufriendo las técnicas del manga moderno en los años cincuenta y sesenta. Las mismas técnicas que el Grupo del 24 ayudaría a asentar y perfeccionar.

‘Fire’, de Hideko Mizuno

No por nada, en términos de manga, Mizuno es la autora cuya influencia se deja ver con más fuerza en el grupo. Habiendo publicado ya en una fecha tan temprana como 1969 Fire! (1969–1971), una historia bien cargada de sexo, drogas y rock ‘n’ roll cuando aquello todavía no era un mal cliché, su interés en el lado salvaje de la vida y su desprecio por las acarameladas historias de sus coetáneas la convirtieron en una rara avis capaz de codearse con los autores de shōnen más radicales de la época pero, por supuesto, sin poder aspirar ni por accidente a cobrarse la misma popularidad que ellos.

Por otra parte, Yoshiko Nishitani podrá ser recordada por tomar el camino diametralmente opuesto y continuar cultivando la ortodoxia iniciada por Watanabe. En un tiempo en que el shōjo manga sólo podía retratar historias de heroínas trágicas que sufrían por problemas familiares, donde el romance si bien no estaba vedado era algo completamente marginal, Nishitani fue, con Lemon & Cherry (1966), la pionera en situar todo el peso de la historia en la chica protagonista, que se enamoraba de un chico en el contexto de la vida de instituto. Algo que se ha repetido tantas veces, de tantas formas y con tantas posibles variaciones, que hoy cuesta creer que hubo un día en que no fue un absoluto cliché. O incluso que autoras tan distinguidas como Hagio Mōto y Takemiya Keiko la reconocen como una de sus influencias.

Y los hombres, ¿qué es de los hombres? Pues como de costumbre, hacen poco o nada de caso a lo que hacen las mujeres. Pues salvo la excepción de Tezuka, cuya Princesa Caballero (1953-1956) serviría de modelo por igual para el shōnen y el shōjo por venir, no habría en la época ningún autor de peso que se circunscribiera en el género que nos ocupa. Ninguno, salvo una notable excepción: Macoto Takahashi.

‘The Rows of Cherry Trees’, de Macoto Takahashi

Siendo uno de los ilustradores shōjos más minuciosos de la historia, utilizando preciosos colores pastel en consonancia con un extremo detallismo en diseños en apariencia sencillos, resulta particularmente llamativo por ser uno de los primeros mangakas en apostar por el diseño de la página como unidad narrativa. Algo que le ha valido tanto un reciente gran reconocimiento en Japón por su labor como ilustrador, incluso aunque su faceta como mangaka no ha sido reconocida de la misma forma. Lo cual es una pena, ya que The Rows of Cherry Trees (1957) no sólo sigue siendo uno de los mejores manga de los cincuenta, un gran ejemplo temprano de shōjo y un manga narrativamente experimental en sus formas compositivas, sino también uno de los precursores del yuri, nombre que reciben las historias de amor lésbicas en el manga.

Con esto se demuestra que, desde sus más tiernos orígenes, en el shōjo, como en el shōnen, cabe todo. Que no por ser para chicas se ha de privilegiar ciertos temas u olvidarse de otros. Y como en su contraparte masculina, también existen series que parecían inmortales.

‘Asari-chan’, de Mayumi Moroyama

Asari-chan (1978-2014) es una comedia slice of life creada por Mayumi Moroyama que se publicó de forma ininterrumpida durante treinta y seis años, siendo publicada en al menos ocho revistas diferentes de la editorial Shogakukan, consiguiendo llegar hasta la friolera de cien tomos y llegando a vender más de veintiséis millones de tomos, convirtiéndolo en uno de los mangas shōjo más vendidos de la historia de Japón. ¿Y de qué trata el manga? Sobre una chica de diez años normal y corriente que, además de llevarse mal con su familia, es más tonta que pegarle una pedrada a un toro en San Fermines. Algo que siempre contribuye al hecho de que haya aventuras.

Y a la espera de que Patalliro! (1978-), el manga de Mineo Maya que empezó a publicarse el mismo año que Asari-chan, llegue a los cien volúmenes, de los cuales ya llevamos noventa y ocho, la obra de Moroyama puede jactarse de ser la obra no-shōnen más longeva de la historia.

Las chicas son guerreras. Magical girls a la luz de los chicos

‘Himitsu no Akko-chan’, de Fujio Akatsuka

Pero, ¿de verdad cabe todo? Es cierto que hay humor, temas escabrosos, obras sin fin e incluso toda la panoplia imaginable de obras genéricas que se encuentran en igual o mayor abundancia en el shōnen. Ahora bien, si observamos detenidamente el trabajo de estas autoras, veremos algo que, soterradamente, se irá imponiendo a lo largo del tiempo. Que donde sus contrapartes masculinas del shōnen pueden hacer que sus historias sean todo lo violentas, oscuras u extrañas que deseen, a ellas siempre les ponen un límite que es mejor que no sobrepasen. Algo que se puede apreciar muy bien en el género de las magical girl.

Con sus orígenes en La princesa caballero de Tezuka y Himitsu no Akko-chan (1962-1965) de Fujio Akatsuka, el género no ganaría tracción hasta veinte años después con la aparición de los animes Magical Princess Minky Momo (1982-1983) y Creamy Mami, the Magic Angel. En el caso de Magical Princess Minky Momo, con el dudoso honor involuntario de ser la serie que originaría la cultura lolicon, es decir, la demostración de interés sexual por personajes (muy) menores de edad. De ese modo, consiguiendo que las magical girl pasaran a ser de un género para niñas pequeñas a ser un perturbador nido de hombres talluditos colonizando el imaginario infantil con fantasías sexuales, durante los ochenta cierto tipo de shōjo acabo viéndose teñido de una sexualización completamente inexistente en forma, fondo o intención.

Por fortuna, algo cambio en los noventa. Y con el cambio, otras magical girls fueron posibles.

‘Sailor Moon’, de Naoko Takeuchi

Naoko Takeuchi, antes de enfrascarse en la desagradecida labor de reinventar las magical girl, hizo la prueba con varios shōjo más ortodoxos: romances heterosexuales de ambientación escolar con protagonista femenina. Pero tras un más que tímido éxito, tuvo una idea de una serie de magical girl donde éstas fueran chicas adolescentes y hubiera una mucho mayor incidencia en toda esa clase de temas que el shōjo había explotado con tanta función de la mano del Grupo del 24. De ahí surgiría Sailor Moon (1991-1997).

El manga sigue las aventuras de Usagi Tsukino, que puede convertirse en Sailor Moon y aúna fuerza con otras chicas con poderes, cuyas identidades secretas tienen nombres de planetas del sistema solar y que tendrán que luchar contra el mal para devolver la paz al universo. Con cadencia mensual y una publicación relativamente tardía fuera de Japón, ya que no llegaría hasta 1997 a EEUU, su éxito no radica tanto en el manga, sino en el anime que lo adapta.

‘Sailor Moon’, de Naoko Takeuchi

Es importante pararse ahí. Especialmente, porque hay ciertas cosas en el anime que no estarían presentes en el manga.. Aunque Sailor Moon trata con una naturalidad aún hoy bastante sorprendente temas como la homosexualidad y el feminismo, es innegable que el anime tiene un punto más retorcido. Más oscuro. Algo que, si bien se nota más a partir de Kunihiko Ikuhara se hace cargo de Sailor Moon R (1993-1994), son temas que están presentes desde el principio de la serie. ¿Y por qué es así? Porque le prohibieron taxativamente a Takeuchi tomar caminos más escabrosos en el manga, cosa que no hicieron con la serie. Sailor Moon fue concebido bajo la idea de que Tsukino utilizara armas de fuego para combatir contra el mal y, debido al tono más oscuro derivado de todo ello, algunas de sus compañeras llegaron a morir en el campo de batalla. Algo a lo que su editor se negó taxativamente, haciendo que el manga rebajara su tono hasta lo que se considerable aceptable para una revista de chicas. Muy significativo porque, si bien no volvieron las armas de fuego de los diseños originales, no es que en el anime mueran algunos personajes, es que resulta más fácil señalar aquellos que no mueren.

Aun siendo la misma serie, teniendo el mismo público objetivo -al menos en teoría, pues era más probable que el anime lo vieran hombres de mediana edad no precisamente por pasión feminista-, al convertirse en anime se permitió hacer (a un hombre) lo que no se permitió hacer en origen (a una mujer). Pero, si bien puede ser visto como una casualidad, también es cierto que existe un ejemplo posterior muy claro de cómo existió un evidente sesgo de género en esa elección. Y ese es el manga Sakura Cazadora de Cartas (1996-2000).

‘Sakura Cazadora de Cartas’, de Clamp

Creado por Clamp, un colectivo de cuatro autoras cuyos roles artísticos van rotando entre obras, la serie sigue el día a día de Sakura Kinomoto, una chica de diez años que, por accidente, libera las cartas de Clown y, gracias a ello, consigue los poderes de una magical girl, pudiendo convertirlas en cartas de Sakura y utilizarlas para conseguir impresionantes poderes mágicos con los que seguir capturando las cartas restantes. Se suman a este argumento una serie de romances cruzados, una historia que continuaría en series posteriores que comparten un mismo universo y, en lo gráfico, un estilo suave y blandito. Con todo ello, Sakura Cazadora de Cartas se ha tendido a considerar el ejemplo perfecto de lo que es un buen shōjo dentro de la ortodoxia.

Algo extraño porque las CLAMP nunca han sido conocidas por los acercamientos amables a los género.

Prácticamente todas sus demás obras de culto, entre las que encontramos series como Tokyo Babylon (1990-1993), X (1992-2003), xxxHolic (2003-2011) y Tsubasa: Reservoir Chronicle (2003-2009), son o bien infinitamente más violentas y descarnadas o, al menos, bastante más oscuras. Algo que se hace notar, en cierto modo para cerrar el chiste, en el hecho de que en Tsubasa la (no exactamente) propia Sakura acabe empuñando armas de fuego para conseguir que regrese su interés romántico en la serie original, Syaoran.

‘X’, de Clamp

¿Qué ocurrió para que hubiera ese cambio en el enfoque? Que, a excepción de X, todas las otras series se consideran shōnen. Al dirigirse a un público masculino, se considerñó que se podían representar facetas de la historia que eran inconcebibles en una publicación para chicas. Algo que se puede constatar también en el hecho de que X, la única otra serie considerada shōjo de las que hemos nombrado, hizo que las CLAMP tuvieran no pocos problemas con su editor a causa de que la serie se iba volviendo cada vez más y más violenta con el paso de los números. Problemas ridículos si, ya de entrada, la ambientación era post-apocalíptica y ellas declararon estar muy influidas por Devilman (1972-1973) de Gō Nagai.

Por lo visto lo que no era admisible en un género ni lo era en el otro. Y si alguien personifica ese enfoque, esa es Rumiko Takahashi.

Aunque todas sus obras son consideradas o bien shōnen o bien seinen -o bien para niños o bien para hombres adultos-, tanto Ranma 1/2 (1987-1996) como muy especialmente Inuyasha (1996-2008) fueron muy populares entre el público femenino, demostrando así un problema básico de toda la literatura, sea gráfica o novelada: las mujeres leen por igual a hombres o mujeres, pero los hombres rara vez se molestan en leer a las mujeres. Al menos, no cuando se les dice que un determinado producto está dirigido hacia ellas, incluso si en lo demás es idéntico en lo que consumirían viniendo de la pluma de un hombre.

Últimas tendencias shojo. Seguir horadando en los sitios que los hombres ni se molestarían en mirar

‘Ore Monogatari!!’, de Kazune Kawahara

Pasados los noventa y llegando hasta hoy, aunque es cierto que el shōjo ha empezado a ser reconocido con galardones y un constante rescatar obras clásicas —especialmente, en lo tocante al Grupo del 24—, no es menos cierto que la oferta dentro del género sigue siendo más bien marginal. Con el seinen habiéndose apoderado de la mayoría de tropos del género, pudiendo encontrar fabulosas comedias románticas de instituto como Kaguya-sama wa Kokurasetai: Tensai-tachi no Renai Zunousen (2015-) de Aka Akasaka en la, en principio, enfocada para adultos Young Jump, resulta difícil seguir justificando esta separación demográfica según si se dirige para hombres, mujeres, niños y niñas, incluso si las revistas japonesas siguen utilizándola por pura funcionalidad.

No cuando el shōjo nos ha dado en los últimos tiempos obras tan estupendas como Aoha Ride (2011-2015), de Io Sakisaka, Orange (2012-2015), de Ichigo Takano, o, ya del lado de la deconstrucción de los tropos clásicos, Ore Monogatari!! (2011-2016), de Kazune Kawahara, donde el protagonista es un adorable gigantón más feo que Picio cuyos únicos problemas amorosos son su propia incapacidad de creerse que puedan quererle, y Gekkan Shōjo Nozaki-kun (2011-), de Izumi Tsubaki, una comedia donde un chico de instituto dibuja un manga shoujo sin tener ninguna experiencia romántica ni ser capaz de darse cuenta de que su ayudante está perdidamente enamorada de él.

Porque el shōjo no son ojos grandes, brillis-brillis e historias románticas. Ojos grandes tienen casi todos los mangas, el juego de luces es inevitable con el entintado y las historias románticas existen en todas partes. Al final, el problema no es la etiqueta: es que haya quien, al enfrentarse ante un manga enfocado a un público juvenil femenino, haga una mueca de disgusto mucho mayor que si se tratara de un manga enfocado a un público juvenil masculino.

‘Orange’, de Ichigo Takano

Ahora bien, incluso sin la popularidad del shōnen, el shōjo tiene obras importantes. No sólo al Grupo del 24, sino toda una panoplia de autoras, y algún autor por ahí perdido, que, en los orígenes del medio, hicieron mucho más por definir las coordenadas del manga moderno que sus compañeros que escribían para niños. Aunque, finalmente, quienes se llevaron todos los laureles fueron ellos.

Porque el shōjo es una demografía. Sólo una demografía. Algo que no debería denotar nada problemático. Pero si algo es obvio es que se ha invisibilizado sistemáticamente las aportaciones de las autoras al desarrollo no sólo de su nicho, sino de todo el medio.

Incluso aunque, poco a poco, parece ser que se esté intentando reparar ese error histórico.

Ilustraciones de Takahashi Makoto

Breve guía de lectura para despistados

I. El grupo del año 24: Mōto Hagio

La familia Poe, de Mōto Hagio
El corazón de Tomás, de Mōto Hagio
¿Quién es el 11º pasajero?, de Mōto Hagio
A Cruel God Reigns, de Mōto Hagio

II. El grupo del año 24: Takemiya, Kihara y Aoike

The Poem of Wind and Trees, de Keiko Takemiya
Toward the Terra, de Keiko Takemiya
Andromeda Stories, de Keiko Takemiya
Mari to Shingo, de Toshie Kihara
From Eroica With Love, de Yasuko Aoike

III. El grupo del año 24: Riyoko Ikeda

La rosa de Versailles, de Riyoko Ikeda
La ventana de Orfeo, de Riyoko Ikeda
Eroica – The Glory of Napoleon, de Riyoko Ikeda

IV. Pioneros del shōjo

Kurukuru Kurumi-chan, de Katsuji Matsumoto
Fuichin-san, de Toshiko Ueda
Fire, de Hideko Mizuno
Lemon & Cherry, de Yoshiko Nishitani
The Rows of Cherry Trees, de Macoto Takahashi
Asari-chan, de Mayumi Moroyama

V. Magical girls y otras formas de dar hostias

Himitsu no Akko-chan, de Fujio Akatsuka
Sailor Moon, de Naoko Takeuchi
Sakura Cazadora de Cartas, de Clamp
X, de Clamp
Ranma 1/2, de Rumiko Takahashi
Inuyasha, de Rumiko Takahashi

VI. El shōjo de hoy

Aoha Ride, de Io Sakisaka
Orange, de Ichigo Takan
Ore Monogatari!!, de Kazune Kawahara
Gekkan Shōjo Nozaki-kun, de Izumi Tsubaki

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Un comentario

  1. Ramo Dimay dice:

    Uf, otro articulo excelente, tanto para conocedores tanto no conocedores. Ya espero con ansias el otro ( un poquito mas adulto), Gracias por subirlo. Un saludo.

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